영상은 어떻게 만들까요?

영상이란 무엇인가

영상은 어떻게 만들까요? 요즘은 인공지능이 문장 하나만으로 영상 한 편을 통째로 만들어 냅니다. 그런데도 매분 수백 시간의 영상이 올라오고, 그건 누군가 직접 찍고 편집하고 이야기한 것들입니다. 그렇다면 왜 당신이 직접 영상 만드는 법을 배울 가치가 있을까요? 앞으로 몇 분 동안 영상이 무엇인지, 어디서 왔는지, 구도를 잡고 빛을 비추고 소리를 녹음하고 편집하는 법을 살펴보고, 첫 영상을 올릴 계획까지 손에 쥐게 될 겁니다.

그런데 여기는 MindHaOS에 있는 제 집이고, 이건 제 영상 스튜디오예요. 여기서 찍고, 편집하고, 올립니다. 오늘은 이 스튜디오로 영상이 한 숏 한 숏 어떻게 만들어지는지 보여 드릴게요. 시작해 볼까요.

영상은 사실 움직이지 않습니다. 멈춘 사진들이 하나씩 아주 빠르게 지나가서, 뇌가 그걸 움직임으로 이어 붙이는 거예요. 1초에 2장이면 뚝뚝 끊겨 보이고, 12장이면 거의 움직임처럼 보이고, 영화의 속도인 24장이면 부드럽게 움직입니다.

그리고 영상은 세 단어로 된 언어예요. 보이는 것, 들리는 것, 그리고 한 숏에서 다음 숏으로 넘어가는 순간이죠. 이 세 가지를 다룰 줄 알면 스마트폰으로든 영화 카메라로든 하고 싶은 이야기를 할 수 있습니다.

그런데 기계가 이미 영상을 만드는데, 왜 배워야 할까요? 영상을 만들면 영상만 생기는 게 아니라 당신도 배우기 때문입니다. 2016년, 네덜란드의 Vincent Hoogerheide 연구팀은 학생들에게 어떤 주제를 설명하게 했습니다. 카메라 앞에서 설명한 학생들은 복습만 한 학생들보다, 그리고 글로 설명한 학생들보다 더 많이 배웠어요. 기계는 이미지를 만들 수 있지만, 무엇을 어떻게 이야기할지는 당신이 정합니다.

그래서 가장 오래 기억에 남는 영상은 가장 비싼 영상이 아니라, 할 말이 있는 영상입니다. 분명한 아이디어, 좋은 순서, 그리고 나만의 목소리요.

여기 제 카메라 앞에서는 모든 숏이 똑같이 시작됩니다. 먼저 구도, 그다음 빛, 마지막으로 소리예요.

영상의 짧은 역사

1878년 캘리포니아에서 Eadweard Muybridge는 트랙 옆에 카메라 열두 대를 한 줄로 세우고, 질주하는 말이 지나갈 때 셔터를 눌렀습니다. 사진은 아무도 볼 수 없었던 사실을 증명했어요. 어느 한순간, 말은 네 다리를 모두 공중에 띄우고 있었던 겁니다.

1895년 12월 28일, 파리의 한 카페에서 Lumière 형제가 처음으로 입장료를 받고 스크린에 영화를 보여 주었습니다. 전설에 따르면, 정면으로 다가오는 기차를 보고 의자에서 몸을 숙인 사람도 있었다고 해요.

마술사였던 Georges Méliès는 카메라를 멈추고 무언가를 바꾸면, 그것이 화면에서 나타나거나 사라진다는 걸 알아냈습니다. 1902년, 그는 《달세계 여행》에서 로켓을 달까지 보냈어요. 이렇게 특수 효과가 태어났습니다.

30년 동안 영화는 소리가 없었고, 음악은 극장에서 라이브로 연주했습니다. 1927년, 《재즈 싱어》에서 관객은 배우가 화면에 맞춰 말하고 노래하는 소리를 들었고, 몇 년 만에 거의 모든 영화가 유성 영화가 되었어요.

2005년 4월 23일, YouTube에 첫 영상이 올라왔습니다. 동물원 코끼리 앞에 선 한 청년의 19초짜리 영상이었죠. 지금은 매분 500시간이 넘는 영상이 올라옵니다.

그리고 이제 스튜디오는 주머니에 들어갑니다. 백 년 전에는 영화 촬영팀이 필요했던 일을, 지금은 스마트폰 하나로 해내요. 여기 제 스튜디오에서 쓰는 이 스마트폰처럼요.

구도

구도를 잡는다는 건 무엇을 화면에 넣고 무엇을 밖에 둘지 정하는 일입니다. 풀숏은 우리가 어디 있는지, 미디엄숏은 누군가 무엇을 하는지, 클로즈업은 그 사람이 무엇을 느끼는지 보여 줍니다. 같은 장면으로 한번 보세요.

간단한 규칙이 하나 있어요. 화면을 가로로 셋, 세로로 셋으로 나누고, 중요한 것을 한가운데가 아니라 그 선 위에 두는 겁니다. 이걸 삼분할 법칙이라고 하는데, 판화가 John Thomas Smith가 1797년에 풍경화를 생각하며 처음 썼습니다. 인물을 옮기면 화면이 어떻게 달라지는지 보세요.

카메라의 높이도 말을 합니다. 위에서 내려다보는 하이 앵글에서는 사람이 작아 보이고, 아래에서 올려다보는 로우 앵글에서는 강해 보입니다. 그리고 눈높이에서는 카메라가 그 사람을 대등하게 대하죠.

그리고 구도는 시선을 이끕니다. 연구자 Tim Smith는 눈의 움직임을 따라가는 카메라로, 영화를 볼 때 거의 모든 사람이 같은 순간에 같은 곳을 본다는 걸 확인했어요. 말하는 얼굴, 움직이는 것, 가장 밝은 곳이죠. 당신의 구도가 관객이 어디를 볼지 정합니다.

그래서 제 카메라는 삼각대 위에 있어요. 화면은 흔들리지 않고, 수평은 똑바르고, 렌즈는 눈높이에 있습니다.

빛과 소리

스튜디오에서는 3점 조명을 씁니다. 키 라이트가 한쪽에서 얼굴을 비추고, 더 부드러운 필 라이트가 반대쪽 그림자를 밝히고, 뒤에서 비추는 백라이트가 사람을 배경과 떼어 놓습니다. 하나씩 켜 보세요.

장비가 없다면 창문이 최고의 조명입니다. 창문을 마주 보거나 옆에 서고, 절대 등지지 마세요. 저는 여기서 이 스튜디오 조명을 키 라이트로 씁니다.

이제 가장 중요하지만 거의 아무도 신경 쓰지 않는 것, 바로 소리입니다. 2018년, Eryn Newman과 Norbert Schwarz는 사람들에게 똑같은 과학자 강연을 들려주었는데, 어떤 건 음질이 좋았고 어떤 건 나빴습니다. 음질이 나쁘면 사람들은 연구가 덜 중요하고 과학자가 덜 똑똑하다고 판단했어요. 관객은 평범한 화면은 용서해도, 나쁜 소리는 용서하지 않습니다.

비결은 마이크를 가까이 두는 겁니다. 입에서 한 뼘 거리면 목소리가 방의 소음보다 훨씬 크게 들려요. 멀리 떨어뜨리면 소음이 목소리를 삼켜 버리는 게 보일 거예요. 그리고 커튼이나 소파처럼 부드러운 물건이 있어서 울리지 않는 방에서 녹음하세요.

그런데 벌써 절반이 지났네요. 이 가이드가 도움이 되고 있다면 좋아요를 누르고, 다음 영상을 놓치지 않게 구독하고, 영상을 만들어 보고 싶은 사람에게 공유해 주세요. 저에게는 큰 힘이 되고, 당신에게는 아무 부담이 없어요.

편집

편집은 가장 좋은 숏을 고르고, 순서대로 놓고, 각각 얼마나 길게 둘지 정하는 일입니다. 가장 티 나지 않는 컷은 동작 한가운데서 자르는 거예요. 한 숏에서 누군가 문을 열기 시작하고 다음 숏에서 마저 열면, 눈은 전혀 눈치채지 못합니다.

백 년쯤 전, 러시아의 영화감독 Lev Kuleshov는 한 배우의 똑같은 얼굴을 세 가지 다른 숏과 이어 붙였습니다. 수프 한 접시, 관 속의 아이, 그리고 한 여인이었죠. 그의 말에 따르면 관객은 변하지 않는 얼굴에서 배고픔, 슬픔, 욕망을 봤다고 확신했대요. 의미는 각각의 숏이 아니라, 무엇을 나란히 놓느냐에 있습니다.

그리고 리듬은 숏의 길이가 정합니다. 코넬 대학교의 James Cutting은 1935년부터 2005년까지의 할리우드 영화 150편을 측정했습니다. 숏은 점점 짧아져서 몇 초밖에 안 되게 되었어요. 긴 숏은 차분하게, 짧은 숏은 빠르게 만듭니다.

편집자의 요령 하나. 화면과 소리를 동시에 자르지 마세요. 누군가 부르는 목소리처럼 다음 숏의 소리가 먼저 들어오면 컷이 자연스럽게 느껴집니다. 이걸 J컷이라고 하고, 반대로 소리가 조금 더 남아 있으면 L컷이라고 해요.

MindHaOS의 제 영상 스튜디오에서도 이렇게 합니다. 숏 하나하나가 타임라인 위의 클립이고, 저마다 음악, 목소리, 텍스트, 전환 효과가 있어요.

이야기를 들려주는 법

인터넷에서는 처음 몇 초가 사람이 계속 볼지를 정합니다. 질문이나 약속, 또는 궁금증을 일으키는 장면으로 시작하고, 절대 "안녕하세요, 오늘은 …에 대해 이야기해 볼게요"로 시작하지 마세요. 이 영상도 질문으로 시작했잖아요.

거의 모든 이야기는 그리스 연극 시절부터 세 부분으로 되어 있습니다. 무언가를 원하는 누군가를 소개하는 시작, 그걸 가로막는 갈등의 중간, 그리고 그걸 해결하는 결말이죠. 1분짜리 영상도 이 틀에 들어갑니다.

찍기 전에 할 말을 쓰고, 숏 하나하나를 작은 칸에 그려 보세요. 막대 인간이어도 괜찮아요. 이걸 스토리보드라고 하는데, Disney는 1930년대부터 썼습니다. 쓸데없이 찍는 시간을 몇 시간이나 아껴 주죠.

그리고 황금률. 말하지 말고 보여 주세요. "긴장했다"고 말하는 대신, 떨리는 손을 관객에게 보여 주는 겁니다. 관객은 스스로 발견한 것을 기억합니다.

저는 먼저 대본을 쓰고, 여기서 그걸 숏으로 바꿉니다. 이 메뉴에서 클립, 텍스트, 목소리, 음악을 하나씩 넣어요.

시작하기 위한 계획

먼저 영상을 다르게 보는 것부터 시작하세요. 좋아하는 영상을 하나 골라서 숏을 세고, 어디서 자르는지 살펴보고, 어떤 소리가 나는지 들어 보세요. 매 순간 뒤에 숨은 결정들이 보이기 시작할 거예요.

영화를 만들 필요는 없습니다. 일주일에 1분짜리 영상 하나면 1년에 52편이에요. 여기서 편수를 움직여서 1년 동안 얼마나 연습하게 될지 보세요.

이런 일주일은 어떨까요. 월요일에는 아이디어를 고르고 대본을 쓰고, 화요일에는 숏을 그리고, 수요일에는 찍고, 목요일에는 편집하고, 금요일에는 소리와 텍스트를 점검하고, 주말에 올리는 겁니다.

그리고 완벽하지 않아도 올리세요. 영상 하나하나가 다음 영상을 위한 무언가를 가르쳐 줍니다. 보세요. 저는 바로 여기, 제 집 안에서 찍고, 그 숏을 클립으로 스튜디오에 가져와서 거기서 올립니다.

정리하면, 영상은 뇌가 움직이게 하는 멈춘 사진입니다. 구도는 관객이 어디를 볼지 정하고, 빛은 형태를, 소리는 신뢰를 줍니다. 편집은 의미와 리듬을 주고, 기계가 이미 영상을 만들어도 영상 만들기는 당신을 가르쳐 줍니다.

저처럼 영상을 만들고 싶다면, MindHaOS의 영상 스튜디오에는 방 하나에 모든 것이 있습니다. 타임라인에서 숏을 편집하고, 목소리를 입히고 음악과 자막을 넣고, 내 캐릭터로 3D 장면을 애니메이션으로 만들고, SNS에 바로 올릴 수 있어요. 링크는 이 인터랙티브 가이드와 함께 설명란에 있습니다. 다음 시간에 만나요.